Rabarama: el cuerpo permanece, la piel se transforma

Las esculturas de Paola Epifani, conocida como Rabarama, exploran la identidad humana a través de cuerpos cubiertos de signos, geometrías y colores. Un recorrido por una obra en constante transformación.

La memoria del cuerpo

Las esculturas de Rabarama poseen una presencia difícil de ignorar. Sus figuras humanas, a menudo recogidas sobre sí mismas, parecen permanecer ajenas a cuanto sucede a su alrededor. Algunas descansan, otras se abrazan o adoptan posturas que recuerdan la necesidad de protegerse. Sin embargo, lo que primero atrae la mirada es su piel, cubierta de signos, letras, formas geométricas y colores que transforman por completo la apariencia del cuerpo.

El conocimiento de la materia

Rabarama creció en un entorno familiar vinculado a la creación artística. Su madre trabajaba la cerámica y su padre era pintor y escultor. Ese contacto temprano con los materiales y los procesos de elaboración contribuyó a despertar una sensibilidad que posteriormente desarrollaría mediante su formación artística en Treviso y Venecia.

La escultura exige una relación directa con la materia. Antes de que una figura alcance su forma definitiva, existe un proceso de observación, modelado y transformación en el que cada decisión modifica el resultado. En el trabajo de Rabarama, ese conocimiento técnico resulta fundamental, porque la superficie no es un elemento añadido sin relación con el volumen: forma parte de la construcción y del significado de la obra.

La artista ha trabajado con diferentes materiales, entre ellos la arcilla, el bronce y el mármol. Cada uno presenta unas posibilidades y unas dificultades particulares. La arcilla permite una intervención directa sobre la forma; el bronce conserva la complejidad del modelado y admite tratamientos pictóricos de gran riqueza; el mármol, por su parte, exige una aproximación distinta, determinada por la resistencia y las características de la piedra.

En sus esculturas policromadas, el color tampoco cumple una función exclusivamente decorativa. Los dibujos se adaptan a las curvas del cuerpo, recorren sus articulaciones y modifican la percepción del volumen. Una misma figura puede adquirir una presencia completamente diferente según los signos y las tonalidades que cubran su superficie.

Esa convivencia entre conocimiento técnico e investigación conceptual explica buena parte de la singularidad de su trabajo. La materia permite construir un cuerpo reconocible, pero es la intervención sobre su piel la que introduce preguntas sobre la identidad y la experiencia humana.

La existencia y sus condicionamientos

En las primeras esculturas de Rabarama, el cuerpo humano aparece cubierto por una superficie dividida en pequeñas formas geométricas. La piel deja de ser una envoltura uniforme y se convierte en un espacio donde la artista comienza a desarrollar sus reflexiones sobre la identidad, la transformación y los condicionamientos que acompañan al individuo.

En In-Cinta, una figura permanece sentada, con las piernas recogidas y la cabeza inclinada. Su cuerpo está recubierto por una sucesión de cintas doradas que parecen envolverlo como una segunda piel. Estas bandas recorren la figura y acentúan la sensación de recogimiento, como si el cuerpo buscara refugio en sí mismo, preservando un espacio interior al que el mundo exterior no puede acceder. La escultura invita a reflexionar sobre nuestra necesidad de protección, pero también sobre esos momentos en los que retirarnos hacia nuestro interior nos permite reconocernos y encontrar cierta serenidad.

A medida que avanza su investigación, Rabarama continúa explorando estas superficies fragmentadas y las diferentes actitudes del cuerpo. En Astr-azione (2001), la figura adopta una posición tumbada, mientras los signos que recorren su piel mantienen esa relación entre la apariencia exterior y aquello que pertenece al mundo interior.

La artista desarrolla así un lenguaje en el que las formas geométricas, los símbolos y las posturas corporales participan de una misma reflexión. Los condicionamientos biológicos, culturales y sociales intervienen en la construcción de nuestra identidad, pero no determinan por completo quiénes somos. Bajo esa piel marcada por múltiples influencias permanece la posibilidad de reconocernos y de encontrar un camino propio.

En una entrevista realizada por Nicola Galvan en 2008, Rabarama abordó la relación entre sus investigaciones artísticas y las cuestiones vinculadas a la genética y la identidad humana. Su interés no se limita a representar un cuerpo transformado: también plantea preguntas sobre aquello que recibimos, lo que aprendemos y nuestra capacidad para construir una identidad individual.

La transformación de la segunda piel

Con el paso de los años, las esculturas de Rabarama fueron adquiriendo nuevas dimensiones y una presencia cada vez más significativa en el espacio público. Aquellas figuras que podían contemplarse de cerca comenzaron también a ocupar plazas, jardines y espacios arquitectónicos, estableciendo una relación diferente con el espectador.

En 2011, Florencia acogió ANTICOnforme, una exposición comisariada por Luca Beatrice que permitió contemplar sus esculturas en distintos lugares de la ciudad. La presencia de aquellos cuerpos monumentales entre edificios históricos y espacios abiertos establecía un contraste entre la permanencia de la arquitectura y las preguntas contemporáneas planteadas por la artista.

El tamaño modifica inevitablemente nuestra relación con la obra. Una figura recogida sobre sí misma puede transmitir intimidad cuando se contempla en una sala, pero al alcanzar una escala monumental adquiere una presencia que obliga al espectador a reconsiderar esa misma postura. La vulnerabilidad no desaparece con el aumento de tamaño; en ocasiones, incluso resulta más evidente.

Ese mismo año, Rabarama participó en el Pabellón de Italia de la Bienal de Venecia con Abbandono, una escultura realizada en mármol de Carrara. La elección de este material introducía una relación particular entre la tradición escultórica italiana y su investigación sobre el cuerpo contemporáneo.

También en 2011, Bozzolo abrió otra posibilidad de transformación mediante una intervención audiovisual realizada con Drawlight. La proyección sobre la escultura permitía que su superficie pareciera modificarse a través de la luz y el movimiento. El cuerpo físico permanecía inmóvil, pero su apariencia dejaba de ser estable.

Estas experiencias muestran que la segunda piel de Rabarama no depende únicamente de la pintura o del relieve. Puede construirse mediante diferentes materiales y recursos, siempre vinculados a una misma preocupación: la relación entre lo que somos, aquello que mostramos y las transformaciones que experimentamos a lo largo de la vida.

La posibilidad de encontrar un camino propio

En determinadas etapas de su trayectoria, Rabarama incorpora a sus esculturas elementos que recuerdan cintas, correas y estructuras de sujeción. Son formas que pueden interpretarse como referencias a los condicionamientos que limitan la libertad individual, aunque también introducen la posibilidad de liberarse de ellos.

En Jivatman (2017), esos elementos adquieren una presencia especialmente significativa. La figura conserva su condición humana, pero su superficie parece sometida a una organización que va más allá de la anatomía. El cuerpo se convierte en el lugar donde se manifiesta la tensión entre las limitaciones y el deseo de encontrar una identidad propia.

La libertad no consiste necesariamente en desprenderse de cuanto nos ha formado. Nuestra experiencia, nuestras relaciones y el entorno en el que vivimos participan en la construcción de quienes somos. La cuestión es hasta qué punto podemos reconocer esas influencias y decidir qué lugar queremos concederles.

En una intervención vinculada al Museo Tattile Statale Omero en 2019, Rabarama volvió a relacionar su trabajo con la experiencia interior del ser humano. Esa dimensión resulta esencial para comprender sus esculturas: la piel puede mostrar los condicionamientos, pero también convertirse en el espacio donde empieza una transformación personal.

Las figuras de esta etapa no ofrecen una respuesta cerrada. Su presencia invita a reflexionar sobre las dificultades que acompañan al individuo y sobre la posibilidad de encontrar, incluso dentro de esas limitaciones, una manera propia de existir.

Shiva: la luz que nace del interior

Entre las esculturas de Rabarama, Shiva (2017) presenta una solución formal especialmente interesante. Su estructura abierta permite que la luz atraviese el cuerpo y participe directamente en la percepción de la obra.

En lugar de una superficie continua, encontramos espacios vacíos que modifican la relación entre el interior y el exterior. La escultura deja de funcionar como un volumen completamente cerrado. La mirada puede atravesarla y descubrir que aquello que parecía oculto también forma parte de su presencia.

El título remite a Shiva, una de las principales divinidades del hinduismo, asociada, entre otros aspectos, a la destrucción y la transformación. Esa referencia introduce una lectura vinculada a los ciclos de cambio, aunque la experiencia visual de la obra permite acercarse a ella desde otras perspectivas.

La luz que atraviesa la estructura parece aligerar el cuerpo y modificar su relación con el espacio. La materia continúa presente, pero ya no impide que el interior se comunique con aquello que lo rodea.

En esta escultura puede reconocerse una idea que recorre buena parte del trabajo de Rabarama: la transformación no implica necesariamente la desaparición de lo que somos. También puede consistir en abrir espacios, abandonar determinadas limitaciones y permitir que algo de nuestro mundo interior encuentre una forma de manifestarse.

El encuentro con uno mismo y con los demás

No todas las esculturas de Rabarama hablan de los condicionamientos o de la dificultad de construir una identidad. Algunas parecen detenerse en una necesidad igualmente humana: encontrar bienestar en la propia compañía o establecer un vínculo con otra persona.

En Ikigai, la postura recogida de la figura transmite una sensación de intimidad. El cuerpo parece encontrar un lugar de descanso dentro de sus propios límites. La palabra japonesa que da título a la obra suele relacionarse con aquello que proporciona sentido o razón de vivir, aunque su interpretación admite matices que van más allá de una definición única.

La escultura permite pensar en la importancia de encontrar un espacio interior propio, sin necesidad de entender la soledad como una experiencia negativa. Estar con uno mismo también puede ser una forma de equilibrio.

En A-mors (2019), Rabarama introduce una dimensión distinta de esa búsqueda interior: la posibilidad de encontrarse con el otro. Dos cuerpos se aproximan hasta formar una composición en la que resulta difícil separar el gesto individual del vínculo que los une. Los brazos rodean, las manos acarician y los rostros parecen buscar un espacio de intimidad compartida.

La superficie de ambas figuras conserva los signos y colores característicos de la artista, pero aquí adquieren una nueva lectura. Las diferencias no desaparecen en el abrazo; permanecen visibles, como si cada cuerpo mantuviera su identidad mientras encuentra cobijo en el otro.

Más que una representación del erotismo, la escultura me sugiere una forma de afecto construida desde la confianza, la ternura y la necesidad humana de sentirse acompañado.

De este modo, Rabarama nos sitúa ante dos experiencias que, aunque aparentemente opuestas, pueden complementarse: la necesidad de encontrarnos con nosotros mismos y la capacidad de abrirnos a los demás. En ambas, el cuerpo deja de ser únicamente una superficie marcada por símbolos para convertirse también en un lugar donde reconocernos y establecer vínculos.

Esta reflexión sobre el vínculo entre los cuerpos también encuentra expresión en Con-giunto, una obra que formó parte de Erotica-mente, exposición presentada en la SimonBart Gallery de Bolonia entre noviembre de 2024 y enero de 2025, en colaboración con PhilART. La muestra exploraba las relaciones humanas desde una perspectiva que iba más allá de la atracción física, abordando el deseo, la identidad, la empatía y la búsqueda de equilibrio entre cuerpo y mente. El proyecto quedó recogido en un catálogo publicado por SimonBart Gallery, que permite acercarse a esta dimensión de la investigación artística de Rabarama.

Psyché: las transformaciones del alma

La investigación de Rabarama sobre el cuerpo y la identidad continúa desarrollándose en sus trabajos más recientes. Las formas y los signos que recubren sus figuras siguen ofreciendo nuevas posibilidades para reflexionar sobre la experiencia humana.

En 2024, la exposición ShapINside, presentada en el Palazzo Bricherasio de Turín y comisariada por Daniela Magnetti, reunió obras que permitían aproximarse a esa relación entre la apariencia exterior y el mundo interior.

Entre ellas, Psyché introduce desde su propio título una referencia al alma y a la vida psíquica. La palabra remite a una tradición cultural extensa, pero también invita a considerar las transformaciones que experimentamos a través de nuestras emociones, recuerdos y relaciones.

En el recorrido de Rabarama, el cuerpo nunca ha sido únicamente una representación anatómica. Sus posturas, sus superficies y los signos que lo atraviesan permiten abordar cuestiones que no pueden observarse directamente: el pensamiento, la memoria, la vulnerabilidad o la necesidad de reconocerse.

También ShapINside plantea, desde su propio nombre, esa relación entre la forma y lo que permanece dentro. La apariencia puede cambiar, pero las experiencias que nos construyen no desaparecen sin dejar huella.

Quizá por eso muchas de sus esculturas transmiten una sensación de silencio. No necesitan representar una acción concreta para despertar preguntas. Basta una postura, una superficie marcada o la relación entre dos figuras para que el espectador encuentre un punto de contacto con su propia experiencia.

Una última mirada

La trayectoria de Rabarama permite descubrir cómo una misma figura humana puede adquirir significados muy diferentes sin abandonar su forma esencial. Desde las primeras superficies geométricas hasta las esculturas atravesadas por la luz, las cintas o los signos, su trabajo ha mantenido una reflexión constante sobre la identidad y la transformación.

La piel, que en apariencia establece una separación entre el individuo y el mundo exterior, se convierte en sus obras en un lugar de encuentro. Sobre ella aparecen las huellas de aquello que recibimos, las limitaciones que experimentamos y las posibilidades que encontramos para cambiar.

Sus figuras pueden transmitir recogimiento, vulnerabilidad, serenidad o afecto. No todas necesitan interpretarse de la misma manera. Cada espectador llega a ellas con una experiencia distinta y reconoce aspectos que quizá otra persona no perciba.

Esa libertad de interpretación forma parte del interés de su trabajo. La artista propone una reflexión, pero la obra continúa desarrollándose en la mirada de quien la contempla.

Al final, bajo todas esas superficies transformadas, permanece el cuerpo humano. Y con él, las preguntas que acompañan nuestra existencia: quiénes somos, qué nos condiciona, cómo nos relacionamos y hasta dónde podemos llegar en nuestro propio proceso de transformación.

Otras miradas sobre el cuerpo y la transformación

El cuerpo como espacio de memoria, identidad y transformación también está presente en la obra de Wangechi Mutu. Desde un lenguaje escultórico muy diferente al de Rabarama, la artista construye figuras híbridas que nos invitan a reflexionar sobre nuestra relación con el mundo y con nosotros mismos.

Te invito a descubrir su universo en el artículo Wangechi Mutu: escultura, mitología y memoria africana.

Agradecimientos y créditos fotográficos

Mi agradecimiento a Rabarama (Paola Epifani) y a PhilART Office por su amabilidad, colaboración y por la información y el material facilitados para la elaboración de este artículo.

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